Durante los últimos meses he planteado a 15 artistas israelíes las mismas tres preguntas y me ha fascinado la variedad de respuestas.
Mientras que algunos artistas buscan la originalidad, otros demuestran que ésta no es la esencia de la creación ni su motivación para trabajar. Algunos, sin embargo, se refieren conscientemente a los artistas del pasado, citando sus métodos de trabajo, pero dando a la obra un toque personal.
A lo largo de miles de años en la historia del arte, la originalidad no siempre fue el componente clave del éxito. Sin embargo, todos conocemos cuadros de Rembrandt o Monet y no a los artistas que siguieron sus estilos.
En esta columna, intento en mi selección subjetiva elegir a esos artistas cuyas obras se mantienen y permanecen en el espectador, cuyo arte – una vez visto – no puede dejar de verse.
Tres artistas accedieron a responder a mis tres preguntas:
1. ¿Qué te inspira? Qué te inspira?
2. ¿A qué llamas arte?
3. ¿Qué es lo que, en tu opinión, diferencia tu obra de la de otros artistas?
Yossi Mark
Yossi Mark estudió filosofía y ciencias sociales en la Universidad de Tel Aviv y pintura en el Instituto Avni. Nacido en 1954, vive y trabaja en Petah Tikva. Ha mostrado su obra en numerosas exposiciones individuales y colectivas y es fundador, profesor y director del Instituto de Artes Visuales del Museo de Arte de Petah Tikva.
En 2010, recibió el Premio del Ministerio de Cultura y Deporte en Artes Visuales; en 2017, el Premio del Ministerio de Cultura y Deporte en Artes Visuales; y el 24 de junio en el Museo de Arte de Tel Aviv, el Premio Shiff de Arte Figurativo-Realista 2024. Elegido entre más de 160 artistas, el premio incluye una beca de 10.000 dólares y una exposición individual en el Museo de Arte de Tel Aviv prevista para 2025.
La mención al logro del artista dice así: “el veterano y querido artista israelí. Sus obras ofrecen una experiencia fascinante, combinando una mirada cautivadora de control total con una mirada introspectiva de raro lápiz, acrílico y óleo.”
Hablando con la Magazine, Mark explicó que está muy apegado a la antigua técnica de los maestros venecianos’. Con una única diferencia: “En la segunda fase de la pintura, ellos utilizaban el temple y yo el acrílico. Pero, al igual que ellos, empiezo con el dibujo a lápiz. Después, se muestra a través de las capas de acrílico y óleo.” Su objetivo es conseguir un efecto relativamente transparente. Mark mantiene sus obras monocromáticas.
Es conocido por su enfoque profundamente humanista y su gran precisión. Cada cuadro le lleva meses de trabajo. Dibuja figuras vivas, a partir de la observación. Mark examina a su modelo con un cuidado microscópico. Mide – literalmente – cada milímetro de la figura, dejando las marcas de medición visibles en el cuadro acabado.
Mark también es tradicional en su estilo de vida; no tiene página web ni Instagram. “Intento evitar las conexiones digitales en la medida de lo posible. Prefiero las personales,” me explicó. “No tengo teléfono móvil. Ahora uso el de mi mujer desde que recibí el premio y la gente me llama.”
INSPIRACIÓN: “Los momentos íntimos, no escenificados, me atraen. Estos episodios silenciosos de contemplación están imbuidos en un espacio tranquilo y recogido, que exige introspección. Son los destellos fugaces de una existencia sencilla y desnuda.
“Del mismo modo, encuentro inspiración en las obras de los grandes maestros, tanto del pasado como del presente: Giovanni Bellini, Andrea Mantegna, Caravaggio, George de La Tour, Edward Hopper, Andrew Wyeth y otros.
“Capturan vibrantes experiencias visuales que cultivan una sensación de intimidad, entretejida con una contemplación poética y espiritual del ser, la esencia y la condición humana.
“Todos estos elementos – lo íntimo, lo introspectivo, los ecos de los maestros – encienden mi atención visual, impulsándome hacia un estado de concentración focalizada. Son los catalizadores que encienden mi proceso creativo.
SIGNIFICADO DEL ARTE: “El arte, para mí, es una entidad viva que se esfuerza por crear espejos profundos. Invita a los espectadores a un viaje profundo que involucra sus sentidos, emociones e intelecto, todo ello manteniendo un equilibrio armonioso entre forma y contenido. El arte sirve de puente entre las formas en que conocemos las cosas (epistemología), la naturaleza de la realidad (ontología) y la experiencia vivida (fenomenología). Es una odisea continua del artista, una confrontación con la realidad que trata de captar para luego reformularla como su propia verdad.
“El arte visual prospera cuando la vista trasciende a la perspicacia y, en el mejor de los casos, la obra de arte posee un poder transformador y evocador que altera la conciencia del espectador.
“Sólo entonces se convierte en un recipiente digno de contemplación.”
MARK’S ART: “Aunque mi obra está claramente enraizada en el realismo, observando y reflejando la realidad, evita deliberadamente una imitación puramente ilusionista de la superficie. Esto contrasta con el enfoque más frecuente de muchos pintores realistas. Traduzco la realidad empírica, en su sentido visual más directo, en una disposición formal de líneas, tonos y formas. Enfatizo los aspectos morfológicos y tectónicos del tema, empleando un uso comedido del color. Mi proceso es deliberado y prolongado, y deja huellas del andamiaje que sustenta toda la imagen. Estas marcas están presentes como una infraestructura visible en el cuadro final. Este enfoque pretende condensar y destilar la imagen.
“Otro elemento distintivo de mi obra es el diálogo entre la narrativa y el lenguaje. Las figuras de mis cuadros desprenden compasión, calidez y empatía a través de sus expresiones, miradas, lenguaje corporal y posturas. Esto refleja la mentalidad existencial que sustenta mi trabajo.
Dado que el artista no tiene página web, consulte: chelouchegallery.com/artists/yossi-mark/
Gili Avissar
Artista multidisciplinar nacido en Haifa en 1980, Gili Avissar obtuvo una licenciatura y un máster en Bellas Artes en la Academia Bezalel de Arte y Diseño de Jerusalén. Ha creado instalaciones textiles a gran escala, esculturas, performances y vídeos.
Después de más de 20 años viviendo y trabajando en Tel Aviv, hace dos años decidió volver a su ciudad natal, donde recientemente inauguró una exposición individual titulada “Pardes” en el Museo Hecht, en la Universidad de Haifa. Utilizó el espacio (750 m2) de la planta arqueológica como estudio, preparando la muestra durante más de dos meses. A Avissar le gusta incorporar un espacio expositivo a su arte.
Sus obras son intensas y coloridas, muy vivas. El artista recoge retales de tela, papel, madera, cartón y materiales plásticos “que están disponibles en todas partes” Dándoles formas, crea nuevos objetos.
Viendo sus instalaciones, parecen un diálogo entre la creación de objetos y la performance. A Avissar le gusta colaborar con artistas de distintas disciplinas, incluidos bailarines. Además, incluye elementos de moda, que le vienen como reminiscencias de su educación anterior (de adolescente, estudió moda en un instituto de perfil artístico de Haifa). Aunque no siguió una carrera como diseñador de moda, ésta dejó huella en su arte. Utiliza tejidos y su propio cuerpo, a menudo disfrazándose como parte de sus instalaciones y actuaciones.
Hablando con la revista, también admitió que disfruta viendo eventos de alfombra roja y desfiles de moda, pero, como dijo: “En el arte, encontré mi libertad.”
Avissar ha recibido el Premio del Ministerio de Cultura y Deporte para Jóvenes Artistas (2012); el Premio de la Fundación de Arte Rabinovich (2012, 2010), y más. Su arte se ha expuesto en numerosos museos y galerías de Israel, Alemania, Chequia [República Checa] y Estados Unidos.
INSPIRACIÓN: “La inspiración está en todas partes, o más bien uso la palabra ‘motivación.’ ¿Qué le permite actuar y crear? La tensa situación en Israel me hace actuar, las relaciones entre las personas me hacen actuar. La palabra ‘inspiración’ suena como si sólo las cosas y las personas bellas pudieran impulsarle a hacer arte, pero lo contrario también es cierto. Quizás creando a partir de la fealdad, la haces más bonita.
SENTIDO DEL ARTE: “Normalmente llamo arte a [cosas] que están muy fuera de los lugares de museos y galerías, ya que el arte existe para mí fuera. Ya sea la naturaleza o las personas, disfruto observando todo lo que el mundo tiene que ofrecer. A menudo veo verdadero arte en la naturaleza, y me pregunto cómo se hicieron esas cosas, quién las creó y quién es el artista.”
AVISSAR’S ART: “Me resulta difícil diferenciarme o diferenciar mi arte del de los demás. Siendo artista trabajas en un entorno muy solitario día tras día, a la vez que formas parte de una comunidad de artistas. Te relacionas con lo que ves a tu alrededor. Uno mismo puede sentirse único, pero también forma parte de algo más grande. Me siento a la vez diferente pero muy parecido, y ahí hay una verdadera tensión.
www.instagram.com/giliavissar/
Tal Shoshan
Escultor, artista de performance y dibujante, Tal Shoshan nació en Haifa en 1969. Tras su servicio militar, se trasladó a Jerusalén, Londres, Tel Aviv y Ramat Gan, para instalarse hace 12 años en Givatayim.
Shoshan se licenció en la Academia de Arte y Diseño Bezalel en el Departamento de Joyería y Accesorios de Ropa, y obtuvo un máster en el Wimbledon College of Art de Londres. De 2007 a 2014, Shoshan dirigió el área de ropa y accesorios en el Departamento de Diseño del Seminario Kibbutzim. Es ganadora de la beca Mifal HaPais (2017) y del Premio Handler (2014), y ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Israel y en el extranjero.
Como escultora, trabaja con diversos tejidos y, en el contenido de su arte, hace referencia a la literatura y a la naturaleza. Utiliza materiales blandos para mostrar a los espectadores mensajes a menudo difíciles. En su exposición actual, “Over Night,” en la Chelouche Gallery, utilizó trozos de toallas de baño para construir esculturas. Expuso cómo todo es temporal. Una sola tienda de campaña. Los restos de una hoguera. Un saco de dormir. Una gran vaina. Los objetos son marcas efímeras y desintegradas de lo que una vez fue una historia sólida.
“Creo paisajes que se tambalean de lo personal a lo universal, de los compromisos privados a los entornos violentos e inquietantes que nos encontramos en nuestra vida cotidiana,” dijo a la Magazine.
INSPIRACIÓN: “Encuentro inspiración en todo lo que me rodea: una frase que suena en mi cabeza y no la suelto, una hoja que cae al suelo, la camisa olvidada de mi hijo en el armario, la acción creativa de alguien a quien aprecio, mapas de todo tipo y materiales diferentes. Las fuentes de inspiración más poderosas son los temas que me causan inquietud y conflicto – a nivel personal, político o social, éstos me seguirán al estudio y me obligarán a reaccionar. Las fuentes más persistentes y constantes de mi inspiración están relacionadas con mis encuentros con la naturaleza y el cuerpo humano, que se convirtieron en parte inseparable de mi lenguaje artístico.”
SENTIDO DEL ARTE: “Una buena obra de arte no se basa en palabras y texto. Debe despertar tus sentidos y activarte, mantener un diálogo contigo. Las palabras vendrán después.
“Para mí, el arte es la oportunidad de conocer el lado insólito y sobresaliente de la creación y la creatividad humanas, uno que mueve un latido en mí, un pensamiento, una emoción o un deseo de tacto. Uno que seguirá sonando en mi cabeza y del que quedará algo, aunque sea una mínima parte. La partícula casi invisible seguirá caminando junto a mí.
ARTE DE SHOSHAN: “Durante la última década, he descubierto que lo que más me fascina es la búsqueda de un lenguaje material para expresar de la mejor manera una idea que estoy desarrollando. Mi proceso de trabajo es largo y variado, pero el principio suele ser similar: la búsqueda apasionada del lenguaje visual más apropiado. Este lento proceso me permite descifrar a fondo lo que puede servir de anclaje visual.
“Descifrar el lenguaje material incluye un largo y prolongado proceso de investigación como combinar nuevos materiales, probarlos y manipularlos, y buscar conexiones y acciones que puedan afectarlos o cambiarlos como la descomposición, la humectación, la costura, el calentamiento.
“El material no es menos importante que el tratamiento de las formas y las ideas – puede convertirse en el corazón de la idea.”